如果提出这样一个问题，你听过的最古老的音乐是什么？恐怕不少人的答案十有八九会是维瓦尔第（1678 - 1741）的《四季》。

其实从维瓦尔第诞生时算起到今天，音乐历史不过三百多年，而在他之前的有完整乐谱流传至今的音乐历史，已经超过了一千五百年。

今天就和大家一起，从最古老的音乐开始，做一次有趣的历史漫游。全文共 41 个章节，没时间一次看完的朋友，可以存着慢慢读。

1.古希腊和古罗马时代的音乐

可以说有了人类就有了音乐，但是保留至今的最早的音乐，来自古希腊和古罗马。

据记载，欧里庇德斯（Euripide，约公元前 485 - 前 406 年）的戏剧就含有许多音乐段落，且以善于谱曲而闻名。其戏剧音乐许多很可能是他自己所作，例如《俄瑞斯忒斯》中的合唱曲。只是那一时代的乐谱多记于纸莎草上，流传至今已成残片。

通过文献我们可了解到，那时的音乐在礼拜仪式和重大场合上表演——不论奥林匹克运动会上，还是酒神节上，都拥有重要地位，并构成古希腊人生活整体的一部分。

现在流传下来的古希腊和古罗马时代的音乐残片主要有：古希腊抒情诗人平达（Pindare，公元前 522 - 前 446）的《比尤蒂颂》、《欧里庇德斯纸莎草写本》、《奥斯罗纸莎草写本》等。其中最著名的是公元一世纪前后塞基洛斯（de Seikilos）所作的，被刻在墓碑上的歌曲《塞基洛斯墓志铭》，它是为数稀少的最完整的作品之一。

指挥家帕尼瓜（Paniagua）曾与马德里古乐团，制作过一张古代希腊和古罗马音乐唱片。为了演奏这些音乐，他们研究了数不胜数的纸莎草碎片，运用丰富的想象，将这些碎片衔接起来，并制作了古希腊的乐器——里拉琴、阿夫洛斯管、齐萨拉琴，甚至一台水利风琴。这些乐器都曾在古希腊和古罗马时代的花瓶、浮雕和绘画中被大量描绘。

在今天听来，古希腊和古罗马时代的音乐大都与民间音乐类似，但给人的感觉却异常神秘，甚至具有一种诡异的色彩，这或许源于它所蕴含的远古的氛围。

不过熟悉现代音乐的人又会觉得，它与当代最前卫的音乐很相像，似乎又在将人们引向不可预知的未来。这就是这些古老音乐的魅力，也是我们音乐历史之旅的开篇。

2. 中世纪早期的宗教音乐

395 年，罗马帝国分裂为东西罗马帝国；476 年，西罗马帝国灭亡，这是欧洲进入中世纪的重要标志。

由于东罗马帝国还没有强有力的中央集权，因此便发展出自己独特的教会礼仪，宗教音乐风格也不同于西部欧洲。

东罗马帝国最有特色的音乐是赞美诗，即拜占廷圣咏，康塔基昂（Kontakion）是其重要的形式之一。赞美诗的音乐诗意盎然，东方特色浓郁，具有强烈伊斯兰风格，内容出自《圣经》，使用希腊语或阿拉伯语演唱。康塔基昂著名的作曲者，是 6 世纪前半君士坦丁堡的圣罗曼努斯。

在西罗马帝国灭亡之前和之初，西部欧洲各地的教会还未得到统一，于是各地产生了风格各异的圣咏。按地域划分有：米兰的米兰圣咏（安布罗斯圣咏）、罗马的古罗马圣咏、意大利南部的贝内文托圣咏、法国的高卢圣咏和西班牙的莫扎拉布圣咏等。其中除高卢圣咏已失传，其余大都流传了下来。这些圣咏的形式和风格，与拜占廷圣咏有着一定联系，但却显得比较刻板。

590 年，罗马教皇格里高利一世（Gregorian I，约 540 - 604）加冕，从此教皇权在欧洲确立。这位教皇在位期间统一各地宗教音乐，共收集圣咏三千余首，即“格里高利圣咏”。

圣咏采用中世纪教堂调式，是一种单声部无伴奏合唱，没有和声与对位，全部由男声演唱。圣咏给人们带来的是没有肉体的纯精神的世界，在那里自我是不存在的，唯有圣灵在闪光，这一特点体现了当时基督教会对人们思想的钳制。

聆听这些圣咏，有如置身于古罗马帝国晚期的城堡之中，让人仿佛见到那神秘而阴森的堡垒，厚厚的墙壁，小小的窗户，和恐惧的心灵……

直到哥特时代，格里高利圣咏始终都是中世纪音乐的主要形式，被用于宗教礼仪。这些圣咏采用的记谱法，是公元七世纪的“纽姆谱”，一种四条线的古老乐谱，更为精确的记谱法产生于公元十世纪。

3. 中世纪的世俗音乐

进入中世纪后，基督教会一直试图用教义控制人们的思想，但这并不能扼杀人类的天性。于是，在格里高利圣咏之外，便出现了与之相对立的吟唱诗人和世俗歌曲。

吟唱诗人是中世纪时期，活跃于法国南部普罗旺斯地区的诗人和作曲者，约 12 世纪中期得到广泛发展。流传至今的吟唱诗人歌曲总共 4730 余首，多以爱情和纵欲为题材，也有关于政治、道德及宗教的。

吟唱诗人歌曲听来很像民间歌曲，有着悠长的旋律，或清唱、或有简单乐器伴奏。最著名的吟唱诗人有文塔多恩（Ventadorn，约 1125 - 1195）、马卡勃鲁（Marcabru）、迪亚伯爵夫人（Beatriz de Dia）等。文塔多恩的《我看见云雀扑打着翅膀》是吟唱诗人最出色的歌曲之一。

吟唱诗人所崇尚的人性，与宗教所宣扬的神性是相背离的，其自由的个性也是与教会的专制反其道而行之的，当时的世俗歌曲也是如此。

“卡尔米纳?布拉那（Carmina Burana）”是 12 和 13 世纪之间世俗歌曲集，一部拉丁文、古德语和古法语的诗篇手抄本，总共两百多首作品，包括表现放纵情欲的爱情歌曲、表现暴食狂饮和赌博的谐谑歌曲、关于道德和讽刺现实的歌曲、流浪学者的韵律诗和宗教剧等，通常有简单的乐器伴奏。

中世纪另一种世俗气息浓厚的音乐形式是神秘剧，其特点是将中世纪各种音乐形式——世俗歌曲和舞曲、吟唱诗人作品、教堂圣咏等集中于一体。最著名的神秘剧《但以理神秘剧》，出自《圣经》的《但以理书》，讲述但以理指责迦勒底的伯沙撒王狂傲和崇拜偶像，被投入狮坑后因上帝佑护而毫发无伤的故事。

德国 12 世纪著名修女希德嘉?冯?宾艮（Hildegard von Bingen，1098 - 1179）所作神秘剧《美德神秘剧》，包含各种抽象的角色：美德、兽性、灵魂等。

随着世俗音乐的繁荣，欧洲进入了中世纪的鼎盛时期——哥特时代，复调音乐开始登上了历史的舞台。

4. 哥特时代的法国古艺术和新艺术

1163 年，哥特式教堂巴黎圣母院开始兴建，历史上最早的流派——巴黎圣母院乐派随之形成。此乐派开创了早期复调形式孔杜克图斯（Conductus），并将更早的复调形式奥尔加农（Organum）的结构加以完善。

两种复调形式很简单，前者以世俗歌曲或者作曲家自创旋律为基础，加一个声部，后者以格里高利圣咏为基础，加一到三个声部。

圣母院乐派最重要人物是莱昂南（Leonin，约 1159 - 约 1201）和佩罗坦（Perotin，约 1160 - 1240），所作奥尔加农和孔杜克图斯，带有中世纪所特有的世俗味道，有些以钟铃或固定式管风琴做简单伴奏。

14 世纪初的音乐著述家，通常将包括圣母院乐派在内的 13 世纪复调风格称为“古艺术”，以此来与新时代复调风格相区别。

马肖（Machaut，约 1300 - 1377）是“新艺术”的代表人物，他生活在封建体制开始解体的变革时代，新的艺术观和美学概念对他产生了深刻影响，造就了其简朴而直率的风格。

马肖是历史上第一位，写出完整常规弥撒曲的作曲家，所作《“圣母”弥撒曲》以四声部写成，完整地包括了相互关联的慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经和羔羊经几个部分，音乐古朴迷人，闪烁光辉。马肖去世后，“新艺术”宣告结束。

15 世纪初，伯艮第（Bourgone）宫廷中的音乐家们，形成了著名的伯艮第乐派，并开始尝试抛开复杂对位技巧，采用明确的旋律和鲜明的节奏，倾力于世俗音乐，为文艺复兴时代的佛兰芒乐派奠定了基础。

班舒瓦（Binchois，约 1400 - 1460）是这一乐派的重要成员，他创作了许多世俗尚松（Chanson），曲调优美，词句巧妙，往往以竖笛和琉特琴伴奏。

与之同时代的迪费（Dufay，约 1400 - 1474）成为佛兰芒乐派的先驱者，他是一位抒情大师，发展了一种美妙柔和的音乐语言。

《“面色苍白”弥撒曲》是他最杰出的作品，采用叙事歌《如果我的面色是苍白的》作为弥撒曲的基础，其音乐洋溢着生机，丰满而富于变化，充满人性的光辉。通过这一作品，迪费完成了音乐风格从哥特到文艺复兴的转变。

5. 哥特时代英国音乐风格的确立和发展

谁也不曾料想到，一首欢快而谐谑的世俗歌曲，确立了英国音乐的风格。——《夏天到来了》，大约创作于 1240 年的六声部轮唱歌曲，其手稿发现于雷丁修道院，所以又称《雷丁轮唱曲》。

这首只有两分钟左右的歌曲，具有重要历史意义。它不仅由于它是历史上第一部具有典型英国风格的作品，还在于它作为合唱曲被认为是现存最早的六声部卡农作品。

一直到 14 世纪六七十年代，英国音乐始终是无名氏作曲家的天下。直到 14 世纪下半叶，出现了哥特时代英国最重要的宗教曲集《古厅手稿》，才结束了这一局面。

这一手抄本收藏于奥尔德霍尔的圣埃德蒙学院，故又称《奥尔德霍尔藏稿》，其中收录了约从 1370 年至 1420 年间的英国宗教音乐，包括鲍尔（Power，？-1445）和邓斯塔布尔（Dunstable，约 1385 - 1453）的作品。

鲍尔是历史留名的第一位重要的英国作曲家，其重要贡献在于尝试在弥撒曲的五个乐章之间建立某种关系，并注重和声声部的谱写，使之与主旋律声部分量相当。

邓斯塔布尔是文艺复兴之前最伟大的英国作曲家，其音乐已完全具备了独特的英国风格。在当时，邓斯塔布尔通过伯艮第的公爵，将英国风格注入到欧洲音乐之中，以至于他在法国伯艮第宫廷中也受到很高评价。

邓斯塔布尔流传至今的作品约 70 部，主要是经文歌、弥撒曲和少量世俗歌曲等，其经文歌的艺术水准极高，被看作是此类作品中的最伟大者。其中最负盛誉的是一首把赞美诗《来吧生命的创造者》与继叙咏《来吧圣灵》相结合的四声部经文歌，这部作品古朴而洋溢着活力，旋律感人肺腑。

邓斯塔布尔所开创的英国音乐风格，拥有甜美的质感和迷人的抒情性，这一风格一直延续到文艺复兴时代的塔弗纳（Taverner，约 1495 - 1545）和巴洛克时代的珀塞尔（Purcell，1659 - 1695）。

6. 文艺复兴时代的法国佛兰芒乐派

进入文艺复兴时代，欧洲音乐得到空前发展。15 世纪 20 年代中期，法国北部、比利时和荷兰南部，出现了那一时代最重要的音乐流派——佛兰芒乐派。这一乐派后来以法国为中心，遍及整个欧洲，持续一百五十多年之久。

佛兰芒乐派经历了三代作曲家，每一代在音乐风格上都不尽相同。第一代的贡献在于，将哥特时代的复调发展到顶峰，奥克冈（Ockeghem，约 1410 - 约 1497）是其中最杰出的一位，被称为真正的佛兰芒人。他的《Mi-Mi弥撒曲》和《安魂曲》等作品，比哥特晚期风格在织体上要更丰满厚实，在声音上要更丰富而均匀。

随着人文主义思想的深入，第二代佛兰芒作曲家的音乐变得更加人性化，这一时期的若斯坎?德普雷（Josquin Despres，约 1440 - 1521），被看作音乐史上第一位个性完满的作曲家。他曾从师奥克冈，音乐风格明晰和谐，旋律恬静优美，名作包括《“唱吧，我的舌”弥撒曲》、《“武士歌”弥撒曲》、为他的老师而作的《献给奥克冈的挽歌》。

在文艺复兴鼎盛时期，拉絮斯（Lassuso，1532 - 1594）成为第三代佛兰芒作曲家中最有个性的一位，他融合当时法、意、德等各地音乐风格，将激情与柔情，辉煌的色彩与优美的恬静，神秘感与幽默感糅合于一体。《“圣坛钟声”弥撒曲》最能代表其风格，堪称最迷人的佛兰芒弥撒曲，而所作《七首忏悔诗篇》及《耶利米哀歌》也皆为精品之作。

除宗教作品，拉絮斯还创作了大量世俗音乐，其中包括著名的牧歌《可爱的女士玛托娜》，它实际上是一首意大利牧歌，歌中辛辣讽刺了 16 世纪占领意大利领土的德国士兵。

而法国牧歌现在通常翻译作“尚松”，最著名的一首是雅内坎（Jannequin，约 1475 - 1560）创作的《鸟之歌》，歌中要求歌者以嗓音模仿多种鸟鸣，活泼俏皮，妙趣横生。

7. 英国音乐的黄金时代

在文艺复兴时期，英国音乐也迎来最辉煌的时代。15 和 16 世纪之交，一部重要的音乐作品集——《伊顿合唱曲集》出现，它是当年供伊顿教堂各种仪式使用的。

其中科尼什（Cornyshe，约 1465 - 1523）的作品最为重要。这位跨哥特和文艺复兴两个时代的作曲家，创作了飘逸迷人的音乐，他的《圣母悼歌》和《圣母颂》等经文歌，体现了英式的甜美风格。

到 16 世纪上半叶，英国最杰出的复调大师塔弗纳（Taverner，约 1495 - 1545）登上历史舞台。他共作有 8 首优美的弥撒曲，多以 16 世纪早期丰满华丽的英国风格写成。

最著名的《圣三位一体弥撒曲》，绝美而精致，所营造的共鸣效果异常丰润，极高的女高音声部直抵天籁，达到感天动地的效果。他所作《西风颂弥撒曲》，还将世俗歌曲引入宗教音乐。

16 世纪中期，泰利斯（Tallis，约 1505 - 1585）进一步发展了英国风格。他是一位个人特质和品位相当突出的作曲家，以对位富有新意和技巧精湛灵活而闻名。他的经文歌《寄希望于他人》竟然使用了 40 个声部，是一部结构复杂的宏伟之作。而所作 12 首《英国赞美诗》，直到 20 世纪仍被沃恩?威廉斯的《泰利斯主题幻想曲》所引用。

进入文艺复兴全盛期，泰利斯的弟子伯德（Byrd，1543 - 1623）又创作了三部杰出的弥撒曲，分别以三、四和五声部写成。它们所呈现的复调结构在当时几乎独一无二，所表达的情绪也十分多样化。

在谱曲时，伯德只挑选自己感兴趣的文字，以求音乐充分与歌词相符合。伯德的弦乐曲《幻想曲》与《圣名曲》，还开创了英国器乐风格。

伯德之后，吉本斯（Gibbons，1583 - 1625）延续了前辈开创的英国风格，写下了诸多华美的教堂音乐，其中特别是赞美歌，如《这是约翰所记》和《献给大卫之子的和撒那》等，都散发着迷人的芬芳。吉本斯还是杰出的牧歌作曲家，所作《银天鹅》乃是英国牧歌精品中的精品。

8. 意大利和英国的世俗牧歌

当法国和英国在音乐领域已享誉世界时，作为文艺复兴发源地的意大利，似乎并未达到与前二者同等的地位。不过，文艺复兴时代盛行欧洲各国的牧歌，却源于意大利。

牧歌是文艺复兴最重要的世俗音乐形式，最早出现于 13 世纪意大利小型宫廷。牧歌一般是多声部，无伴奏或有简单器乐伴奏，内容多含幽默、讽刺、情欲和政治等内容，词句优美，情感细腻，被称为配上音乐的诗篇。

16 世纪，牧歌发展到顶峰，杰苏阿尔多（Gesualdo，1560 - 1613）是意大利牧歌最杰出的创作者，其音乐个性十足，极富想象力，极度半音化的风格，远超他所在时代，令同代诸作曲家望尘莫及。他极善描写相对立两方面的冲突，诸如渴望与绝望、快乐与死亡，例如五声部牧歌《清澈的、闪亮的双眸》，突出体现了他所独有的两种对立情感的强烈矛盾。

另一牧歌作曲家马伦齐奥（Marenzio，1553 - 1599），则富于抒情性，讲究文学趣味，诗意盎然，敏感动人，尤其注重对情绪和气氛的把握。

牧歌传到英国，莫利（Morley，1557 - 1602）将 “芭蕾歌”发展为英国牧歌的重要形式，其最显著特征是有 “发啦啦”的副歌。他的“芭蕾歌”风格清新、节奏轻快，如《独自歌唱》，以质朴自然曲风，真切表现了男欢女爱。

威尔拜伊（Wilbye，1574 - 1638）和威尔克斯（Weelkes，1575 - 1623）被誉为最杰出的英国牧歌作者，前者和声大胆，想象力丰富，后者则吸收马伦齐奥的意大利风格，将细腻与激情融为一体。还有吉本斯所作《银天鹅》，绝美而伤感，描写一只天鹅将死时的悲痛，以此映射命运的残酷。

17 世纪初，英国出现以琉特琴伴奏的歌曲，道兰德（Dowland，1563 - 1626）是琉特歌曲最重要的作曲家，一生共出版 87 首歌曲，包括著名的《仕女雅玩》和《潸然泪下》等。在一首《时间停住脚步》的歌中，道兰德营造出了时间静止的意境，有一种超凡脱俗之美。

9. 意大利罗马乐派和威尼斯乐派

16 世纪下半叶，意大利形成了显赫的罗马乐派和威尼斯乐派，前者对从哥特到文艺复兴的复调艺术进行了全面总结，后者则成为新时代风格的开创者。

罗马乐派致力于宗教音乐，延续并发展了佛兰芒乐派“复调无伴奏合唱风格”，重要代表人物帕莱斯特里纳（Palestrina，约 1525 -1 595），将声乐的复调传统发展到顶峰，故史上有“帕莱斯特里纳风格”之称。

帕莱斯特里纳的音乐古朴澄澈，旋律线流畅，音响丰富，效果美妙迷人。他最著名作品之一《马尔采鲁斯教皇弥撒曲》，具有一种柔和纯净之美，令人清心愉悦。他最独特的经文歌作品，是为《圣经》中的艺术珍品《雅歌》所配的 29 首歌曲，这些歌曲宗教情感浓厚，柔美清澈，将纯洁的爱情与神圣的宗教融为了一体。

如果将罗马乐派的音乐比作宏伟的教堂，那么威尼斯乐派的音乐就是华丽的宫殿。在 16 世纪，威尼斯已经成为沟通东西方的重要通商港口，它所独具的世界性和开放性，成为威尼斯乐派产生的重要条件。

威尼斯乐派富于开创精神，不断尝试冲破束缚，发展个性化的新风格，其音乐绚丽灿烂，丰满多变。在经文歌创作中，他们一反传统的“复调无伴奏合唱风格”，加进明亮辉煌的铜管乐器，使合唱显示出前所未有的生机。

他们还将器乐发展成完全独立的形式，从根本上结束了声乐的统治地位。威尼斯乐派的革命性创新，为管弦乐的发展奠定了基础。

乔万尼?加布里埃利（G. Gabrieli，约 1557 - 1612）是这一乐派的杰出人物，所作经文歌《哦，拍响你的双手》、《向天主欢呼》、《天主俯听我等》、《牧羊人，你看见了谁？》等，织体饱满丰富，色彩明亮辉煌。

他的两套《神圣交响曲》，是早期器乐作品的杰作，其中《四度低音弱声与强声奏鸣曲》，首次使用了力度指示。他还对乐器的运用进行改进，因而被称为“配器法之父”。

10. 歌剧的诞生和发展

1597 年，佛洛伦萨，一种被称为“歌剧”的、集演唱和表演于一身的艺术形式诞生了。尽管中世纪神秘剧和宗教剧被认为是其先驱，但第一部真正意义上的歌剧是佩里（Peri，1561 - 1633）的《达夫妮》，然此作现已佚失，因而他作于 1600 年的《尤丽狄茜》，便成为流传下来的最早歌剧。

《尤丽狄茜》讲述的是，奥菲欧赴地狱，寻找不幸死去的爱妻尤丽狄茜的故事，歌剧已形成独唱、重唱和合唱的模式，但还没有咏叹调，全部是歌唱性的宣叙调。1602 年，卡契尼（Caccini，约 1548 - 1618）的牧歌与小坎佐纳作品集《新音乐》，发展了与复调对立的单旋律音乐风格，对刚诞生的歌剧产生了重大影响。

音乐史上第一位伟大的歌剧作曲家，是蒙特威尔第（Monteverdi，1567 - 1643），他跨越文艺复兴和巴洛克两个时期，以传统为出发点，发展出个性鲜明的新风格，并强调以真实为基础，描写人的心灵世界。

完成于 1607 年的《奥菲欧》，是历史上第一部成熟的歌剧，其戏剧效果得到进一步加强，大胆运用不和谐音和弦乐器震音，以增强音乐的表现力。

蒙特威尔第一生创作歌剧十余部，《阿里亚娜》——只流传下来著名的《阿里亚娜的哀歌》、《尤利西斯还乡》和《波佩阿的加冕》等也均为不朽之作。

其中《波佩阿的加冕》是历史上第一部依真实历史事件创作的歌剧，讲述残暴乱的罗马皇帝尼禄，与其将领之妻波佩阿的故事。另，蒙特威尔第所作牧歌和圣乐作品，如《坦克雷迪与克洛琳达的战争》和《贞福童真女的晚祷》等，也都极富戏剧性。

歌剧随后在威尼斯和罗马继续发展，蒙特威尔第的弟子卡瓦利（Cavalli，1602 - 1676）扩大了戏剧的潜力，并自如运用喜剧因素，所作《卡利斯托》在结构上继承其师的特点，剧本据奥维德《变形记》中仙女卡利斯托被变成大熊后被升为星座的神话编写。

到 17 世纪后半叶，那不勒斯乐派形成，歌剧从此发生了根本性转变。

11. 德国音乐之父——许茨

德国是欧洲音乐起步最晚的国家之一，到巴洛克时期，落后的状况才得到改变。

不过德国音乐最早，可以追溯到哥特时期的希德嘉?冯?宾艮（Hildegard von Bingen），她为宗教礼仪共作有 77 首歌曲，汇集成《天国启示的和谐交响》。希德嘉注重以音乐本身打动人心，认为如果没有音乐，词句不过是空壳，因词句仅是身体，音乐才是精神。

出生于佛兰德的伊萨克（Isaac，约 1450 - 1517），对德国音乐发展贡献最大，这位深受意大利风格影响的佛兰芒大师，将荷兰风格带到德国，并把这些风格与德国音乐相融，创作了独具特色的弥撒曲和最早的德国歌曲，为德国音乐屹立于欧洲之巅奠定了基础。

1585 年，许茨（Schutz，1585 - 1672）诞生，德国音乐的兴盛随之而来，他被称为德国音乐之父。许茨最重要的贡献，是将意大利声乐风格融入德国复调传统中，开创了德意志民族自己的音乐风格。他的音乐融合威尼斯乐派的宏伟与德国式的细腻，情感深邃，色彩辉煌。

讲述耶稣诞生故事的清唱剧《圣诞节故事》是他最流行的作品，全剧始终萦绕在欢快愉悦的气氛中，不论宣叙调还是合唱，都显示出盎然生机。《临终七言》是一部满怀悲伤的清唱剧，耶稣的七言以自由而表现力极强的单旋律音乐表现，通奏低音和弦乐伴奏。壮丽深沉的《马太受难乐》，乐风古朴，结合了无伴奏合唱与宣叙调独唱、重唱的形式。

著名的三卷《神圣交响曲》，共 68 首协奏经文歌，含许茨最具纯粹德意志民族风格的作品，独唱声部、合唱与器乐编制都得到扩充。这些作品宽广而富于戏剧性，有的已接近后来的教堂康塔塔，其中第 18 首《扫罗》戏剧性极强，运用了回声效果。

许茨去世 13 年后，J.S.巴赫诞生，这之间知名德国作曲家是以《卡农与吉格》闻名的帕赫贝尔（Pachelbel，1653-1706）。另外，丹麦的布克斯特胡德（Buxtehude，1637 - 1707）的管风琴音乐，对德国音乐发展也产生了很大影响。

12. 英国音乐的巅峰——珀塞尔

珀塞尔（Purcell，1659 - 1695）在英国历史上占有特殊的地位，因为他象征着英国音乐的显赫地位。在他之前，英国音乐已进入黄金时代，而在他身上，则达到无可争议的鼎盛。

这位生活在巴洛克早、中期的作曲家，可被形象地比喻为英国音乐“金字塔”的塔尖，他虽然只活了 37 岁，但却将英国民族风格发展到极致。

珀塞尔幼年曾在皇家教堂唱诗班当歌童，并成为著名作曲家布洛（Blow， 1649 - 1708）的弟子，老师成为威斯敏斯特大教堂管风琴师。珀塞尔的创作涉足内容广泛，形式多样，无论是赞美诗和颂歌，还是歌剧和戏剧配乐，或者器乐合奏和键盘乐，都有很高的成就。

珀塞尔最杰出的作品是歌剧《狄朵与埃涅阿斯》，被誉为最伟大的英语歌剧，它具有强烈的抒情戏剧的风格，体现了珀塞尔所特有的激情。剧情取自维吉尔的《埃涅伊特》，讲述迦太基女王狄朵与武士埃涅阿斯的爱情悲剧。

歌剧中，女巫姐妹为了破坏他们的爱情，欺骗埃涅阿斯离开迦太基去完成一项使命，狄朵误以为他背叛自己，于是自焚身死。狄朵的唱段《当我被埋葬》，是音乐历史上最著名的“哀歌”之一。

珀塞尔的合唱音乐，属巴洛克中期声乐中的精品，最著名的有《感恩赞》、《D大调欢乐颂》、赞美歌《我的心正在撰文歌颂》、《圣?塞西利亚节日颂歌》、为 1695 年玛丽女王葬礼所作的《上帝，您了解我们心中的秘密》等。

在器乐方面，所作的 12 首三重奏鸣曲、3 首三声部《幻想曲》、8 套为羽管键琴的组曲、2 首《圣名曲》以及为玛丽女王葬礼所作的四支长号的《进行曲与坎佐纳》等，是当时英国纯器乐作品的经典之作。

特别有意思的是，珀塞尔去世后，英国本土竟无一人有能力将他所开创的英国民族风格传承下去，且这种状况持续了二百年之久，直到 19 世纪末才有所转变，但仍然未能超越前人。

13. 维瓦尔第时代的意大利音乐

威尼斯乐派之后，器乐形式首先在意大利得到空前的发展，形成以维瓦尔第（Vivaldi，1678-1741）为首的“小提琴乐派”，同时，以制作提琴闻名于世的斯特拉迪瓦里家族兴盛了起来。

在当时，集小提琴大师与作曲名家于一身的科雷利（Corelli，1653 - 1713），创作了最出色的三重奏鸣曲（作品 1 至 4 号，共 48 首），这种奏鸣曲是巴洛克时期最重要的室内乐形式，通常由四件乐器演奏出三个声部。科雷利还是古组曲的确立者，也是现今非常流行的《“圣诞”大协奏曲》的作者，他的音乐有着严谨的结构和优雅的气质。

以《为管风琴与弦乐队的柔板》而知名的阿尔比诺尼（Albinoni，1671 - 1750），最初也以小提琴演奏家的身份出道，40 岁时转向专业创作，写有《D小调双簧管协奏曲》等名作，并对初期的喜歌剧有一定贡献。

代表巴洛克中期音乐创作高峰的维瓦尔第，对小提琴风格和大协奏曲（为乐器组与乐队的协奏曲）形式的发展有着突出贡献。维瓦尔第的音乐色彩辉煌，洋溢着生命活力，体现了意大利人热情开朗的性格。他一生作品量很大，著名的《四季》含在曲集《和声与创意的尝试》中，《和谐的灵感》和《异乎寻常》涵盖了其最重要的小提琴协奏曲和大协奏曲作品。

维瓦尔第的音乐形式多姿多彩，他尝试为各种乐器创作，除小提琴和大提琴，还有爱情维奥尔琴、长笛、大管、竖笛、琉特琴等，包括著名的长笛协奏曲《金翅雀》、《双曼陀林协奏曲》和《e小调大管协奏曲》。

除此，还作有五十部歌剧和不少宗教音乐，以《D大调荣耀经》最著名。电影《Shine》中主人公在蹦床上边跳边听的那首歌，出自其康塔塔《没有真正的和平》。

以维瓦尔第为伊始，器乐形式向着越来越完善的方面发展，对于J.S.巴赫等巴洛克后期作曲家的创作产生了重大的影响。

14. 那不勒斯乐派的意大利歌剧

诞生于佛洛伦萨的意大利歌剧，在威尼斯和罗马的发展并未突破蒙特威尔第所开创的风格，直到 17 世纪下半叶在那不勒斯出现了一个新的歌剧流派，才出现了根本性的转变。

那不勒斯的作曲家们，将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来，并更加倾重于咏叹调，尤其强调美声演唱技巧，发展管弦乐以服务于歌唱，还固定了歌剧序曲的三个组成部分，确立了后世意大利歌剧风格的主要特点，可以认为，是那不勒斯乐派确立了 19 世纪意大利歌剧的民族性。

到 18 世纪初，那不勒斯乐派独具个性的歌剧风格达到成熟，喜歌剧由正歌剧的“幕间剧”发展出来。“幕间剧”又叫“插剧”，是大型正歌剧中间休息时上演的短剧。

亚历山大?斯卡拉蒂（A.Scarlatti，1660 - 1725）是那不勒斯乐派的开创者之一，随后出现的佩尔戈莱西（Pergolesi，1710 - 1736）、奇马罗萨（Cimarosa，1749 - 1801）和皮钦尼（Piccinni，1728 - 1800）三人，则代表了这一乐派的顶峰。

佩尔戈莱西23 岁时创作的《女仆作夫人》是早期意大利喜歌剧的杰作，也是那不勒斯乐派的代表作，它是 1733 年上演的正歌剧《高傲的囚徒》的“插剧”，全剧长度不足五十分钟，共两幕 13 曲，讲的是一个女仆如何做了自己主人的夫人的故事。

佩尔戈莱西一生十分短暂，只活了 26 岁，他去世前不久完成的《圣母悼歌》为同类作品的典范。

在《女仆作夫人》之后，奇马罗萨创作于 1766 年的《秘婚记》和皮钦尼创作于 1760 年的《好姑娘采基娜》两部喜歌剧，不论规模还是结构，都已经非常成熟了。那不勒斯乐派歌剧风格的影响此时已经遍及欧洲，并一直持续到 18 世纪中叶以后的二十多年间。

到 19 世纪上半叶，意大利歌剧传统经由罗西尼（Rossini，1792-1868）、多尼采蒂（Donizetti，1797 - 1848）和贝利尼（Bellini，1810 - 1835）等作曲家，传承到了威尔第的手中。

15. 吕利时代的法国音乐

以佛兰芒乐派闻名的法国，在巴洛克初期因意大利歌剧的巨大影响，而陷入音乐创作的低谷，此状况一直持续到 17 世纪下半叶。非常有趣的是，使法国人摆脱意大利歌剧束缚的，竟是一位叫吕利（Lully，1632 - 1687）的意大利人。

吕利摒弃了风行的那不勒斯乐派歌剧形式，不刻意强调咏叹调，而是采用适合法语发音的宣叙风格，并发展了正规的“法国序曲”，开创了法国“矫饰风格”。他最著名的歌剧有《阿尔米德》、《法厄同》、《阿蒂斯》等。

完成于 1686 年的《阿尔米德》，是吕利最后的歌剧，出自塔索的史诗《被解放的耶路撒冷》，讲述异教女巫师阿尔米德，爱上十字军骑士雷纳多，并施魔法使他爱上自己，最后以悲剧告终的故事。

歌剧序曲气势巍峨，是典型的法国风格，全剧戏剧性和表现力很强，最著名段落是雷纳多在河边睡去的场景，使用了加弱音器的小提琴，音乐如低语一般，气氛把握极佳。

另一歌剧《法厄同》在音乐方面十分讨人喜爱，故事取材自奥维德的《变形记》。讲述太阳神福玻斯的儿子法厄同，驾着父亲的带翼的太阳车，在天空飞行逐日，最后被烈焰吞噬。吕利还与戏剧家莫里哀是好友，二人合作了八部喜剧芭蕾，最著名的是《贵人迷》。

弗朗索瓦?库泊兰（F.Couperin，1668 - 1733）作有《器乐音乐会曲——纪念不朽的吕利》和两架羽管键琴的《向吕利致敬》，向这位对法国音乐贡献巨大的意大利人表示敬意。而身为羽管键琴演奏家的弗朗索瓦，也是库泊兰家族中在作曲方面成就最高的，所作器乐组曲《国民》和为管风琴独奏的《管风琴弥撒曲》均为法国巴洛克名作。

当时另一作曲家夏庞蒂埃（Charpentier，1645 - 1704），一生都生活在吕利的阴影下，直到吕利去世后，才有机会施展自己的才华，但是不幸得很，当他完成著名歌剧《美狄亚》之后不久便离开了人世。现在，他最流行的作品是《感恩赞》。

16. 法国巴洛克音乐的繁盛——拉摩

在吕利去世近半个世纪后，法国巴洛克风格——特别是“矫饰风格”，终被一位本民族作曲家发扬光大，此人即伟大的拉摩（Rameau，1683 - 1764）。

拉摩的音乐，不论歌剧还是羽管键琴作品，都散发着斑斓的色彩，与吕利相比，更加多变、丰满、大气。其歌剧尤为宏伟、豪华、精致，有着起伏跌宕的戏剧性，和活灵活现的表现力，注重歌剧的整体感，及管弦乐的描绘性，特别是对地震、电闪雷鸣和暴风雨的传神描绘，给人以身临其境的震撼。

拉摩是一位大器晚成的大师，50 岁时才诞生第一部歌剧《希波吕托斯与阿里奇埃》，截止到完成最后的歌剧《北方人》，其间仅 31 年，竟写下近 30 部歌剧。

《殷勤的印地人》是其中一部动听的芭蕾歌剧，含四个有趣的小故事。《慷慨的土耳其人》：讲述一土耳其人将自己抓到的美丽基督徒女奴的情郎交还给了她；《秘鲁的印加人》：讲述印加王国公主法尼，在得知其情郎是个无赖后，仍决定跟随他。

《鲜花，波斯的节日》：讲述两对波斯情侣在历经许多误解后重修旧好；《蛮子》：讲述印第安公主奇玛，面对异国的众多追求者无动于衷，对爱人忠心如一。

另一歌剧名作《双子星座卡斯托尔与波琉刻斯》不论剧情还是音乐，都显得凝重而富有诗意。故事出自古希腊神话，讲的是天神朱庇特被卡斯托尔和波琉刻斯的兄弟之情所感动，将他们升到天上成为双子星座的故事。

拉摩的羽管键琴小曲也十分出众，包含各种巴洛克舞曲形式，标题新颖独特，例如：《冷漠》、《鸟语》、《温柔的呻吟》、《索洛涅的傻瓜》、《缪斯的谈话》、《漩涡》、《独眼巨人》、《三只手》、《腼腆》、《冒失》等等。在音乐理论方面，拉摩还作有著名的《和声学》一书。

法国音乐在拉摩之后又出现断代，直到柏辽兹（Berlioz,1803-1869）诞生，才再得以延续。（注：“拉摩”现通常也译作“拉莫”）

17. 约翰?塞巴斯蒂安?巴赫（上）

巴洛克时期最伟大的作曲家，是约翰?塞巴斯蒂安?巴赫（Johann Sebastian Bach，1685 - 1750），他的贡献在于将巴洛克风格发展到极致，对三百年来的复调音乐进行了总结，因而被公认为最伟大的复调音乐大师，甚至被奉为欧洲音乐之父。

巴赫生性倔强，一生风风雨雨，曾先后在慕尔豪森、魏玛、克滕和莱比锡供职，然而每到一地，必会因创作理念和行为处事与当局或雇主之间不合而引发冲突，以至不断陷入重重矛盾之中。

管风琴音乐和康塔塔的创作，贯穿巴赫一生的创作，其中尤其是管风琴音乐，可谓前无古人后无来者。最著名的《d小调托卡塔与赋格》，狂放激扬，华丽辉煌，气势非凡，抒发了高贵的情愫。

《C大调托卡塔、柔板与赋格》、《c小调帕萨卡利亚》、《d小调“多里亚调式”托卡塔与赋格》、《g小调赋格》等，也皆为杰出之作。

《平均律钢琴曲集》代表了巴赫键盘乐作品的顶峰，被称为钢琴音乐的《旧约全书》和“复调技巧百科全书”，它将十二平均律的理论付诸实践，并奠定了现代的钢琴演奏技术。

曲集包含 48 首“前奏曲与赋格”，在形式特点上变化无穷，极大地拓展了音乐的表现力，其艺术价值极高。巴赫其它著名键盘乐作品还包括《d小调半音阶幻想曲与赋格》、《意大利协奏曲》、《哥德堡变奏曲》、《英国组曲》、《法国组曲》、《帕蒂塔》以及二声部和三声部《创意曲》等。

《独奏小提琴奏鸣曲与组曲》和《独奏大提琴组曲》，是充分显示巴赫精湛的复调作曲技艺的作品。在这两套曲集中，巴赫在一把小提琴或大提琴上做出多声部，这即使不是音乐历史上的唯一，可以肯定也是无人可以超越的。

巴赫的重要器乐作品还有两首小提琴协奏曲、几首羽管键琴协奏曲、一些室内乐作品，以及《勃兰登堡协奏曲》和包含著名的“G弦咏叹调”的《乐队组曲》。

18. 约翰?塞巴斯蒂安?巴赫（下）

康塔塔是巴赫为数最多的声乐作品，总共二百多首。巴赫的康塔塔类似于小型清唱剧，往往由宣叙调、咏叹调、二重唱和合唱构成，也有个别的全部是独唱。

其中宗教康塔塔最著名的有《上帝是我们唯一坚固的堡垒》、《我厌倦了》、《醒来吧，一个声音在高喊》、《心与口》等，世俗康塔塔最著名的有《婚礼康塔塔》、《咖啡康塔塔》、《农民康塔塔》等。其中《心与口》含著名合唱《耶稣，人类企望的喜悦》。

《圣诞节清唱剧》和《D大调圣母颂歌》是巴赫两部欢快的声乐作品，前者中的女高音独唱“我的救世主”，有着奇妙回声效果，仿佛是尘世同天堂之间的对话；后者中的著名合唱“荣耀归于圣父、圣子、圣灵”，其壮伟、璀璨、激越，是语言所无法形容的。

“受难乐”是巴赫清唱剧作品的最重要形式，《马太受难乐》和《约翰受难乐》是他此类作品中最杰出的，分别取材自《约翰福音书》和《马太福音书》，表现耶稣受难的故事。

《马太受难乐》在感情的表达上异乎寻常地平静和深沉，整体上具有史诗般的气质，被认为是巴赫的巅峰之作。而《约翰受难乐》在感情表达上近乎狂暴，表达了几近疯狂的悲愤之情。

晚年创作的《b小调弥撒曲》，几乎包含了巴赫之前的所有重要声乐和器乐作曲技巧，其规模庞大，显然并不适合弥撒仪式的使用。

《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是巴赫最后的伟大创作，对于许多人来说它们过于深奥。《音乐的奉献》是以一个主题所作的一系列乐曲；《赋格的艺术》包含了巴赫最宏伟、最复杂、最精妙的“赋格曲”，但没有最终完成，也没有指定演奏乐器。

巴赫在生前和去世后近 80 年时间里，主要是以杰出管风琴演奏家闻名的，直到门德尔松在 1829 年指挥演出了《马太受难乐》，他作为伟大作曲家的地位才开始得到确立。

19. 亨德尔时代的英国音乐

在珀塞尔身后，音乐创作在英国本土开始走下坡路，当时比较重要的作曲家有克拉克（Clarke，约 1670 -1707）和博伊斯（Boyce，1711 - 1779）等人。然而他们并没有能力超越前人，倒是来自德国的亨德尔（Handel， 1685 - 1759）在英国声誉渐隆，并逐渐成为英国乐坛的霸主。

亨德尔的音乐是“享乐型”的，充满了愉悦的情绪，他最流行的作品是《皇家焰火音乐》和《水上音乐》。不过从对音乐历史的贡献来看，亨德尔最杰出的器乐作品是 Op.6 的 12 首大协奏曲，有着极高的艺术价值，堪称当时此类作品的典范，而且有些曲目不乏情感的起伏，例如第 12 首《b小调大协奏曲》的第 2 乐章“快板”，感情表达具有爆发性，为巴洛克音乐中所少有。

清唱剧《弥赛亚》以及其中的“哈里路亚”大合唱，是亨德尔的标志性作品，也是令他蜚声世界的杰作。在一生的创作中，亨德尔写下了大量的清唱剧和歌剧，其清唱剧在同类作品中为最佳者。包括以壮丽的双合唱队而闻名的《以色列人在埃及》，具有丰富戏剧性的《约书亚》，抒情性的田园剧《阿喀斯与伽拉忒亚》，以及《参孙》、《犹大?马加比》、《所罗门》等。

亨德尔最后一部清唱剧是具有象征意义的《时间与真理的胜利》，他最著名的一部歌剧是根据古罗马历史演绎的《朱利奥?凯撒》。

亨德尔的宗教音乐虽不乏应时之作，但却成就斐然。《乌德勒支感恩赞与欢乐颂》为庆祝荷兰中部的乌德勒支省，建立和平而谱写；《德廷根感恩赞与赞美诗》为庆祝英国在法兰克福附近的德廷根，打败法国而创作；《钱多斯赞美诗》是亨德尔在钱多斯公爵府，任音乐指导时创作的，这三部作品包含了他无可争议的合唱杰作。

在亨德尔之后，又一位异乡人占领了英国乐坛，此人就是来自奥地利的海顿（Haydn，1732 - 1809）。

20. 晚期巴洛克作曲家

大约从 1600 年开始至 1750 年J.S.巴赫去世，巴洛克时期经历了 150 余年，洛可可风格出现时，巴洛克风格依旧与这一新的音乐风格并存。晚期巴洛克作曲家人数众多，让我们主要看一看德国的情况。

尽管以今天的观点，泰勒曼（Telemann，1681 - 1767）的艺术成就比J.S.巴赫稍逊，但在当时却是独领风骚的大师级人物。他非常多产，作有 600 首意大利序曲、44 部受难乐、40 部歌剧、12 首全套礼拜音乐等。

泰勒曼的音乐风格优雅而华丽，或许未必很深刻，但却令人愉悦，独具风采。所作 7 个乐章的《a小调组曲》使用一种被称为“柔美笛”的次中音竖笛来演奏，全曲情感丰富，变化多端。

为乐队的 10 乐章组曲《汉堡的潮汐》，是一部难得的天才之作，包含了庞大的序曲和 9 首舞曲，每一乐章被刻意安排了古代神话中的人物和故事，而序曲所给人的开阔感觉令人惊讶，很难想象那时的音乐能有如此的气魄。

另两位德国作曲家，海尼兴（Heinichen，1683 - 1729），以一套《德累斯顿大协奏曲》闻名，协奏曲的乐器组使用了圆号、横笛、双簧管等管乐器。匡茨（Quantz，1697 - 1773）作有大量长笛作品，是一位重要的长笛演奏家，他对长笛进行了改进，著有长笛演奏法一书。

法国作曲家（大）勒克莱尔（Leclair，1697 - 1764）的音乐秉承了法兰西民族所特有的矫饰风格，有着优雅的气质。

意大利作曲家杰米尼亚尼（Geminiani，1687-1762）和维拉契尼（Veracini，1690-1768）都是著名小提琴家，其中杰米尼亚尼是科雷利的弟子，所著《小提琴的艺术》是最早关于小提琴演奏技法的著作，重要作品有18首大协奏曲和24首小提琴奏鸣曲。

波希米亚地区在巴洛克时期也出现了自己的作曲家，稍早的比贝尔（Biber，1644-1704）,他的《玄秘奏鸣曲》（或译《玫瑰经》）十分著名，而稍后的泽林卡（Zelenka，1679 - 1745），则更具波里米亚民族特色，他最著名的作品是一些乐队序曲、随想曲以及三重奏鸣曲。

21. 洛可可风格——巴洛克向古典风格的过渡

不论巴洛克还是洛可可，其概念都源自于建筑学。“巴洛克”源于葡萄牙语“baroco”，后演变为法语“baroque”，意为一颗不规则的、鳞茎状的珍珠，是在对一位罗马建筑师进行评论时首次被提出的。

“洛可可”（Rccoco）源于法文“rocaille”，意思是贝壳制品，原指一种法国建筑装饰艺术风格。洛可可风格的音乐摒弃了晚期巴洛克音乐繁复的形式、复杂的复调织体和宏伟壮观的风格，倾向于小巧精致、自然简朴、轻松愉悦。

意大利人多美尼科?斯卡拉蒂（D. Scarlatti，1685 - 1757）是洛可可风格最负盛名的作曲家之一，他为羽管键琴创作的 550 多首意大利式的奏鸣曲，被看作是古典奏鸣曲的前身。

这些奏鸣曲均为单乐章，由两部分构成，被称为“二部曲式”。它们短小精炼，情趣各异，五彩缤纷，既具有装饰性，又富于情感，充分显示了曲作者的丰富想象力。

J.S.巴赫的长子W.F.巴赫（1710 - 1784）和三子C.P.E.巴赫（1714 - 1788）等人在巴洛克时期出现的“华丽风格”中，注入新的表现内容，更为极端地强调真实与自然的情感，追求内在的、多感的和主观的表达，这一被称作“充满忧郁泪花”的“感伤风格”的新风格，与文学领域中的“狂飙运动”有着直接的联系。

C.P.E.巴赫还是确立古典奏鸣曲形式的重要作曲家之一，他在多美尼科?斯卡拉蒂的意大利式的单乐章奏鸣曲后面，成功地加上了一个慢乐章，和一个快速的末乐章，而这也正是古典奏鸣曲的模式。

其时，交响曲也开始出现，不过当时是三乐章的意大利式交响曲。J.S.巴赫的小儿子J.C.巴赫（1735 - 1782）是这一形式交响曲的重要作曲家，对莫扎特曾产生了很大的影响。作品 6 号的第 6 首《g小调交响曲》，是其最有表现力的一部交响曲。

22. 歌剧艺术的革新者格鲁克

在 18 世纪下半叶，德国作曲家格鲁克（Gluck，1714 - 1787）是一个特别值得关注的人物，他虽然一生中大部分时间都生活在洛可可时期，但他的音乐已经超出了洛可可式的短小结构，他的戏剧在刻画人物方面也远远超越了早期古典时期的局限。

格鲁克是一位歌剧艺术的革新者，其创作思想在歌剧发展史上，有着重要地位，对后世的瓦格纳歌剧尤其有着突出的影响。他的《阿尔刻提斯》甚至被认为是瓦格纳“乐剧”的先兆。

这两位作曲家在创作思想上的不谋而合之处，主要体现在他们都注重器乐在歌剧中的作用，并不偏重于人声，将器乐和声乐处于平等的地位。

基于这样的创作思想，格鲁克极力反对当时意大利歌剧，卖弄美声技巧的风气，认为歌剧应该符合戏剧表现原则，同时要表现真实的情感和时代的精神。

他在创作于 1762 年的《奥菲欧与尤丽狄茜》中，第一次实践了自己的创作思想，这部歌剧有着质朴而崇高的旋律和生动的戏剧性，格鲁克采用了与佩里和蒙特威尔第相同的题材，但却谱写出不同风格的音乐，其中最著名的唱段是奥菲欧的不朽哀歌《我失去了尤丽狄茜》。

格鲁克一生共创作了 20 余部歌剧，最著名的还有取材自《荷马史诗》的、以伊菲格涅亚为主角的两部歌剧《伊菲格涅亚在奥利德》和《伊菲格涅亚在陶利德》，富于异域风情的《中国女人》，改编自塔索的史诗《被解放的耶路撒冷》的《阿尔米德》等。

前面提到的《阿尔刻提斯》，剧情出自古希腊神话，讲述古埃及王阿德墨托斯的妻子阿尔刻提斯，甘愿牺牲自己的生命，来挽救垂死的丈夫的故事。

从题材来看，格鲁克的歌剧与神话故事有着不解之缘，他之后的德国歌剧也保持了这一传统，不论韦伯的《自由射手》，还是瓦格纳的《尼伯龙根的指环》，都散发着浓厚的神话色彩，前者具有民间传说的特点，后者则衍生自北欧神话。

23. 曼海姆乐派与交响曲形式的确立

古典风格早期是与洛可可风格同步发展的，在德国，柏林乐派是最早的古典乐派，风格上还具有很强的洛可可风格，这一乐派的代表人物是匡茨和C.P.E.巴赫等。

曼海姆乐派是早期古典时期最重要的音乐流派，由当时聚集在德国曼海姆（Mannheim）地区的艺术家们构成，他们成立了最早的交响乐团“曼海姆管弦乐队”，并在J.W.斯塔米茨（J.W.Stamitz,1717-1757）指导下，成为技术高超、素质优良、闻名全欧的交响乐团。

J.W.斯塔米茨还使用渐强的方法，加强并丰富了音乐的表现力，因此“曼海姆管弦乐队”从客观上为交响曲的进一步发展奠定了不可或缺的基础。

曼海姆乐派对于交响曲形式的最后确立也起到了决定性作用，J.W.斯塔米茨和他的弟子，将意大利式交响曲的第二和第三乐章之间，增加了一个小步舞曲乐章，将交响曲规范为四个乐章，并发展了奏鸣曲式的原则，最终确定了古典交响曲的形式。

作为曼海姆乐派最重要作曲家之一的J.W.斯塔米茨，同时也是一位著名的小提琴家，主要作品包括 50 部交响曲和 12 首小提琴协奏曲等，其音乐风格在总体上体现出一种和谐之美，并已经明显脱离了洛可可风格，是较纯粹的古典风格。

曼海姆乐派其他重要成员还包括：F.X.里希特（Richter，1709 - 1789）、卡纳比希（Cannabich，1731 - 1798）、J.A.斯塔米茨（1754 - 约1809）和K.斯塔米茨（1745 - 1801）等。

到曼海姆乐派为止，音乐的古典主义风格已经得到确立，一个新的时代到来了。1757 年，海顿完成了他的《D大调第一交响曲》。1764 年，年仅 8 岁的莫扎特写下了他的《降E大调第一交响曲》，也许在今天的人看来，这两部作品不能算是成熟之作，但它们却代表了新时代的起点。

24. 古典主义大师海顿（上）

尽管交响曲和弦乐四重奏在海顿（Haydn，1732 - 1809）之前就已出现，但他在今天仍被冠之以“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”，因为这两种形式到了海顿的手中，才逐渐从带有洛可可味道的早期古典风格，发展为成熟的古典风格。

海顿可以说是最纯粹的古典主义大师了，他的音乐洋溢着对生命的热爱，充满了纯净而高贵的情愫，呈现出富于幽默感的睿智，而且海顿的作曲技艺无可挑剔，他将古典主义所强调的和谐的形式发展到了完美之境。

在创作上，海顿并不固守一定之规，总是不断尝试管弦乐队的各种新颖的运用方式，比如在《第 82 交响曲“熊”》中对笨熊缓慢步态的模仿，在《第 83 号交响曲“母鸡”》中对母鸡咯咯叫声的表现，在《第 94 交响曲“惊愕”》中那个著名的能把人从瞌睡中惊醒的力度爆发，都是富于实验精神的创作。

《升 f 小调第 45 交响曲“告别”》是海顿最有意思的作品之一，标题源于以作为末乐章的柔板。

据说海顿的雇主尼古劳斯亲王，非常迷恋埃斯特黑扎城堡的宏伟宫殿和美丽花园，总是带着自己的乐师们去那里常住不归，令大家无法忍受。于是有一次海顿便创作了这首交响曲，在为亲王演出时，乐师们在最后的乐章一个接一个演完自己的声部，然后吹熄蜡烛离去，后来亲王似乎感觉到某种暗示，便带着他们返回了维也纳。

海顿一生创作了一百多首交响曲，和八十多首弦乐四重奏。他的弦乐四重奏是古典室内乐中最重要的部分之一，尤其是《皇帝四重奏》、《五度四重奏》、《云雀四重奏》和篇幅浩大的《临终七言》等，堪称珍贵之作。

其中《皇帝四重奏》第二乐章“如歌的柔板”即著名的《上帝保佑弗朗克皇帝》，曾经被奥地利和德国不约而同用作了自己的国歌，它的旋律深情而高贵，抒发了流淌自心底的广博之爱，是古典室内乐最令人感动的乐章之一。

25. 古典主义大师海顿（下）

海顿的器乐作品，除交响曲和弦乐四重奏，还有钢琴奏鸣曲、钢琴三重奏、小号协奏曲和大提琴协奏曲等。而在声乐领域，他也同样成就辉煌，作有清唱剧《创世纪》和《四季》、大量的歌剧、十几部弥撒曲等作品。

伟大的《创世纪》深受亨德尔《弥赛亚》的启发，当年海顿在英国观看此剧时，《哈利路亚》合唱令他感动万分，因此决定创作一部自己的清唱剧，即《创世纪》。这部清唱剧脚本以弥尔顿《失乐园》为基础，并结合《圣经》“创世纪”，突出表达了更加世俗化和人性化的情感。

弥尔顿的原作主要讲的是天使拉斐尔应亚当的请求，向他叙述上帝创世的过程，并包含关于人类之美和爱情之美的内容。海顿的清唱剧以此为基础，通过对大自然——诸如对电闪雷鸣、流水潺潺、风雪雨夜、飞禽走兽的具体描写，使上帝创世的神话变得具象化，并加强了对生活之美的肯定，把爱情描写成自然和生命的最崇高者，以此作为对创世者的颂扬。

另一杰出的清唱剧《四季》，是有史以来第一部非宗教题材的世俗清唱剧，它是一幅风俗画，也是一首田园诗，它宛如《创世纪》的续篇，描写一些普通人在一年四季中的快乐生活，或许他们都是“亚当”和“夏娃”的后代，虽然失去了上帝赐予的“伊甸园”，然而在生活中却找到了真正属于自己的“乐园”。

海顿的弥撒曲是古典主义声乐的经典，充满了和谐与美妙的旋律，最著名的有《管风琴大弥撒曲》、《战争弥撒曲》、《纳尔逊弥撒曲》和《管乐队弥撒曲》。他的歌剧在今天演出的机会虽不是很多，但也不乏优秀之作，比如《哲学家的灵魂》一剧，洋溢着乐观的古典主义精神。

海顿的音乐洋溢着对生命的热爱，充满了纯净而高贵的情愫，呈现出富于幽默感的睿智，他的音乐告诉我们：快乐来自于生命，来自于心灵，来自于爱。

26. 衔接古典与浪漫的莫扎特（上）

称莫扎特（Mozart，1756 - 1791）为音乐神童，并非仅仅因为他岁数很小就开始创作音乐，还由于他最早的那些作品已经相当成熟。他 6 岁时创作了第一小提琴奏鸣曲，8 岁谱写了第一部交响曲，11 岁写了第一首钢琴协奏曲，12 岁又完成了一部可爱的歌剧《巴斯蒂安与巴斯蒂安娜》。

莫扎特与以往作曲家不同，他不愿受宫廷或贵族庇护的束缚，他的音乐也变得更加自由，但这也使他的生活总是不断陷入贫困的境地。他一生的创作遍及各种音乐形式，并都取得非凡的成就。

27 首钢琴协奏曲在莫扎特音乐中有着极高的地位，这些作品继承了巴洛克的优雅之美，同时又增加了个性鲜明的情感力量，二者的结合使得音乐异常动人。

譬如著名的第 21 号协奏曲，将庄严、浪漫、活泼融合在三个乐章当中；第 26 号“加冕”将一首浪漫曲与快乐和华丽的首尾乐章联系在一起。晶莹剔透的琴声，与优美的弦乐，共同构造了莫扎特最动人心扉的乐音。

除了钢琴，莫扎特还为小提琴、长笛、圆号等多种乐器创作了协奏曲，这里仅举两例：《长笛与竖琴协奏曲》，其音乐恬静而明亮，具有田园牧歌风格，可谓仙乐飘飘；《单簧管协奏曲》，一部有着单纯之美的作品，展示了单簧管天鹅绒般的音色，其中的柔板包含了世所罕见的绝美旋律。

在室内乐方面，所作六首《海顿四重奏》，是对“海顿爸爸”表示敬意的纯粹古典式的弦乐四重奏；珍贵的《单簧管五重奏》，是用单簧管深沉而柔美的音色所编制出的一个美丽的梦幻。在《e 小调小提琴奏鸣曲》中，莫扎特表达了失去母亲的悲痛，音乐是阴郁和幽暗的，宛如心灵的哭泣。

莫扎特在器乐方面的创作极其广泛，他的交响曲也具有很高地位，其中最后一首就是以古罗马神话中诸神之王命名的《“朱庇特”交响曲》。所作“弦乐小夜曲”和“嬉游曲”等管弦乐作品，颇受现代人的喜爱。所作大量的钢琴奏鸣曲，将这一形式与贝多芬衔接在一起。

27. 衔接古典与浪漫的莫扎特（下）

在莫扎特的一生中，爱情经历对他的创作也产生了很大影响。22 岁时，他爱上了 15 岁的美丽女孩阿劳希娅?韦伯，并计划为她创作一部歌剧，这令他的父亲利奥波德大为光火。后来，他又不顾父亲反对，与韦伯家另一女儿康斯坦采?韦伯结了婚。

对于莫扎特来说，歌剧是最能展示其个性的一种形式，他一生创作了 20 多部歌剧，《费加罗结婚》、《唐璜》、《女人心》、《魔笛》以及《伊多梅纽》和《后宫诱逃》代表了最高成就。

其中《费加罗结婚》是古典时期意大利喜歌剧的典范——后来罗西尼的《塞维利亚的理发师》的剧情发生在此剧之前。《唐璜》开创了悲喜剧风格，内容上完全超越了当时的道德准则，人物刻画充满矛盾和多面性。《魔笛》被称为第一部德国浪漫主义歌剧，然而在体裁上的多样化使得它几乎无法分类。

莫扎特的艺术歌曲常常被忽视，其实它们当中包含了舒伯特之前最出色的一些艺术歌曲，例如《秘密爱情》、《鸟儿，如果整整一年》、《来吧，亲爱的齐特尔琴》、《紫罗兰》、《自由之歌》、《离别之歌》。

他在生命最后一年创作的《渴望春天》充满童趣，是真情流露的佳作，主题旋律与这之前创作的《第 27 钢琴协奏曲》的晴朗闪亮的末乐章十分相似。

在宗教音乐方面，莫扎特创作了不少弥撒曲和康塔塔等形式的作品，其中未完成的《c 小调弥撒曲》属于优美迷人的极品之作，最后的《安魂曲》完全超越了宗教，将宗教形式转变为他表达个人情感的一种方式。

有记载说，莫扎特去世的前一天，曾在床上与几位朋友试唱《安魂曲》中的“那时哭泣的一天”，几小节过后，他力不能胜，不禁潸然泪下。

通观莫扎特的音乐，非一两句话可以概括，或许用“点石成金”四个字可以形容他超人的创作能力。而他音乐中的浪漫主义倾向，又使他不仅仅是海顿的继承者，同时还是贝多芬的先声。