文·段宏刚

文艺复兴发生在14——16世纪，跟后来16世纪末期产生的“宗教改革”，以及17——18世纪出现的“启蒙运动”，并称为西方近代三大思想启蒙运动，正是这三场运动接力发生，极大地推动了西方近代各行各业的全面发展，促使西方社会在18世纪以后迅速走上近代文明。

从12世纪以来，位居地中海沿岸的意大利由于拥有得天独厚的地理条件，气候宜人，物产丰富，又加上曾经被古希腊、古罗马文明沐浴过，人们的思想比较开明、自由，促使许多城邦如雨后春笋一样，在意大利接二连三地建立，主要有佛罗伦萨、威尼斯、那不勒斯、米兰、热那亚、博洛尼亚、佩鲁贾等。

这些城邦推崇自由民主，定期选举管理者，让公民当家做主。管理者以调动城邦公民的积极性和创造性为己任，非常有利于推动社会经济的发展，以及文化艺术的进步。

达芬奇《蒙娜丽莎》

当然，经济基础决定上层建筑，文艺复兴的产生，离不开经济的支持。随着社会经济的进一步复苏和发展，人们追求世俗生活的意愿越来越强烈，对教会那一套说辞越来越反感，希望用新的文化体系来取代宗教文化体系。在这种思想意识的洗礼下，各个城邦里出现了一批有资本、有思想、有文化的新兴资产阶级，他们具有统一的民族意识，对精神生活非常重视，在后来主导了文艺复兴运动。

文艺复兴首先从13世纪末期的佛罗伦萨兴起。

然而，此时期的教会权利依然很强大，要直接反对神学思想的束缚和压迫，无异于以卵击石，资产阶级只能曲折迂回，打着复兴古希腊、古罗马古典文化的名义，来反对神学思想，并弘扬资产阶级的思想文化。

文艺复兴的核心理念是，以“人文主义思想”为基础，号召文艺工作者向古希腊、古罗马时期的优良文化传统学习，来体现人文价值和人道精神，鼓励人们在艺术中追寻自我价值，不要再被神学思想所愚弄，再造一个比肩古希腊古罗马时期的文化盛世，为近代文明的发展铺平道路。

米开朗基罗《大卫》

佛罗伦萨伟大诗人但丁（1265年——1321年）在1300年创作完成《神曲》，被认为是文艺复兴兴起的标志。《神曲》是一部长达8万多字的史诗，全诗分为《地狱》、《炼狱》和《天堂》三大部分，但丁不但在诗中表达了追求真理的坚定信念，还明确表达了自己对教会的憎恶，并对中世纪以来形成的“蒙昧主义”给予了强烈谴责和严厉批评。

但丁之后，彼特拉克、薄伽丘、莎士比亚等大文豪，在文学领域继续薪火相传。

在绘画领域，则诞生了达芬奇（1452年——1519年），米开朗基罗（1475年——1564年），拉斐尔（1483年——1520年）三位大师，他们合称为“文艺复兴美术三杰”。

三大艺术家都出生在资产阶级家庭，先后毕业于佛罗伦萨美第奇学院，在艺术思维上深受新思想的熏陶，这些经历让他们注定会站在反宗教、反封建的队伍里，把人们的精神思想从封建神学的束缚中解放出来，是他们共同的艺术目标。

拉斐尔《菲娜丽娜》

在艺术观点上，他们都遵循写实手法，拥有很高的素描功底和造型技巧，非常看重美术作品的“视觉基础”，把绘画看作是自然的唯一模仿者，绘画中的所有知识必须建立在真实的基础上。这个观点跟古希腊雕塑的“摹仿论”如出一辙。

他们对美的认识以“朴素唯物主义”认识论为基础，美术作品在他们眼里，是理性与经验的合体，肩负着传播知识和记录历史的作用。正是这样的艺术观点，促使他们把美术当作一门科学来创作，不能偏离三大标准。

一是把点、线、面当作绘画语言的基本元素，它们是造型的基础。

二是画面必须具备雕塑一样的凹凸感。

三是画面要符合透视学原理。

除过以上共性之外，他们的作品还能体现出一些个性化的元素，正是依靠这些个性化元素，他们之间才拉开了距离，自成一家。

达芬奇《最后的晚餐》

“绘画是一门科学”这个观点是达芬奇提出的，基于这个观点，达芬奇总结出一句对西方绘画影响深远的名言——绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。

为了证明自己这些观点的合理性，达芬奇在艺术创作的同时，以极大热情投入到科学研究中，深入钻研数学、解剖学、光学、机械学、工程学、地质学、植物学、制图学、生物学等学科，在诸多领域掌握了非常深厚的知识。完全可以这么说，达芬奇是画家中的科学家，又是科学家里的画家。

在实际探索中，达芬奇触类旁通，把诸多科学领域的知识，比如，光学中的“焦点透视法”和“明暗对比法”，美学中的“黄金分割法”，生物学里的解剖原理，物理学中的空间构成，等等，统统应用到油画创作里，经过反复探索和实验，他逐渐给油画制定了一套丰富而完善的创作技法和理论依据，解决了油画创作上的许多难题。

达芬奇《抱银鼠的女子》

油画于14世纪初期从蛋彩画的基础上产生，到达芬奇的时代，油画虽然已经发展了100多年，但仍然有许多问题还没有得到有效解决，比如，画什么题材？怎么去画？审美依据是什么？画家们在创作时，找不到更好的办法，只能参照蛋彩画的艺术语言来创作油画。

达芬奇仿佛是被历史选定的改革者，于15世纪中期横空出世，用自己的才华一步步填补了油画在创作技法、理论依据、审美趣味上的空白，创作出造型精准、结构完整、比例和谐、构图精巧，同时又神形兼备的作品。他的《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《丽达与天鹅》、《岩间圣母》等代表作，善于用“纪念碑式构图”来安排画面结构，无不体现出一种庄严、典雅、肃穆的审美趣味，为油画的艺术语言打下了坚实基础。

拉斐尔《圣母和圣婴》

米开朗基罗也是一名艺术全才，他的知识之丰富，学养之深厚，不输达芬奇，他的主要艺术成就体现在雕塑、绘画、建筑、诗歌等领域。

米开朗基罗毕竟是雕塑家出身，被誉为文艺复兴时期最伟大的雕塑家，因此，他在绘画创作上，能很轻松地打通雕塑与绘画之间的共性，把雕塑艺术上的许多元素，比如，空间感、体积感、质量感、轮廓感，以及诗人的奔放激情融入到作品里，赋予作品鲜明的雄壮美和崇高美，以及严谨的叙事效果。

欣赏米开朗基罗的油画作品，如同在欣赏一首场面宏大和情节丰富的叙事史诗，这些特征在《最后的审判》、《创世纪》、《创造亚当》等大型壁画作品里，都有非常完美地展现。

拉斐尔《菲娜丽娜的肖像》

拉斐尔虽然是“美术三杰”里最年轻的一位，却是艺术天赋最高的一个，被称作天才画家。他对西方绘画最大的贡献，在于从审美趣味和创作题材上做出了较大改动。

具体做法是，借助宗教题材与神话题材的形式，给作品里融入世俗化的人情味，把现实人物的七情六欲和喜怒哀乐加入到神话人物和宗教人物的身上，把他们当作普通大众来画，赋予他们各种各样的情感和欲望，使他们的形象不再是高高在上、不食人间烟火的样子。

对于观众来说，这样的作品符合日常的生活经验，看起来非常具有代入感，能感受到浓浓的亲和力。拉斐尔正是依靠这种艺术理念，把圣母和其他女神画成了温婉贤淑的女子形象，她们就像人间的母亲一样，洋溢着真实的情感和温暖的人性。

米开朗基罗《先知》

在整个文艺复兴时期，油画的主要作用是装饰和美化教堂的环境，因此，宗教题材和神话题材是所有艺术家必须重视的油画题材，在这些画作里，人物的表情看起来古板僵硬，不苟言笑，看不到任何真情实感的流露。

为了扭转这些局面，美术三杰依靠扎实的技巧和深刻的思想，一方面在绘画中竭尽全力地去除神灵的光环，把神灵当作普通人来刻画，另一方面，他们无视教会的权威，直接从现实生活里寻找题材和灵感，来刻画符合自己审美理想的艺术形象，比如，达芬奇的《蒙娜丽莎》取材自朋友的妻子，拉斐尔的《菲娜丽娜》、《菲娜丽娜的肖像》和《孕妇》直接以自己女友为原型，米开朗基罗的雕塑作品《大卫》则取材自一名士兵，这些作品因为都有艺术原型，让观者具有一种感同身受的直观印象。